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Los diseñadores que están impulsando la revolución del estilo en África | Moda

GRAMOremando en Ghana, es imposible no encontrarse inmerso en la moda. Un flujo interminable de colores y telas es una presencia constante; hay una afinidad palpable por el diseño y el estilo. Todos los días, de camino a la escuela primaria en Cape Coast, caminaba por el mercado de la ciudad, que era como pasear por el museo textil más hermoso del mundo. Estaban las tiendas y los puestos, sí, pero también exhibiciones vivas: las mujeres con estilo que trabajaban en sus puestos vistiendo kaba y los clientes con los ojos muy abiertos que examinaban los últimos grabados y catálogos de fotos en busca de inspiración sobre qué ponerse para un evento o una iglesia inminente. servicio el domingo. Estos recuerdos sensoriales se quedan contigo.

Después de graduarme en economía y estadística en la universidad en 2006, volví a estas experiencias, jugueteando con camisetas serigrafiadas, antes de encontrar mi camino hacia el bordado. Casi una década después, aspiraba a una carrera más desafiante y me fui a Sudáfrica para estudiar diseño de moda. Sin que yo lo supiera, me había inscrito en un programa de comercialización de moda, que luego me llevaría a una maestría en diseño de moda. Tal vez estimulado por mi experiencia en economía, descubrí que el camino no deseado despertó mi interés en la cadena de suministro global de la moda. Rápidamente me di cuenta de que quería sumergirme en el rico tapiz de la moda africana y apoyar a la próxima ola de diseñadores para impactar en sus respectivas economías, en lugar de simplemente hacer mi propia ropa.

La forma en que los jóvenes diseñan y visten aquí está en constante cambio. Es parte de una reinvención más amplia en la intersección de la cultura y la historia, en la que los africanos cuestionan su identidad. Mi nombre completo es Kenneth Kweku Nimo. Me quedo con Ken porque es más fácil de pronunciar para las personas fuera de mi cultura. Si me saliera con la mía, solo sería Kweku Nimo. Cada vez más, los jóvenes ghaneses están abandonando los nombres cristianos que alguna vez se impusieron a sus padres y abuelos bajo el dominio colonial y están adoptando los nombres tradicionales de su comunidad y cultura. No puedes evitar preguntarte qué más se perdió cuando África estuvo sujeta al imperialismo. Es por eso que esta nueva generación también está cambiando la forma en que piensan sobre lo que usan y cómo se hace.

Esta intersección de identidad, colonialismo y moda en África no es nada nuevo. Mi ciudad de Cape Coast fue un lugar clave en el comercio transatlántico de esclavos. Los colonialistas no solo exportaron violentamente africanos, trajeron consigo ropa, textiles y artículos de lujo. Las huellas de estas importaciones todavía son visibles en la forma en que nos vestimos hoy.

Alerta roja: colección Madzang AW21 de Imane Ayissi.
Alerta roja: colección Madzang AW21 de Imane Ayissi. Fotografía: Cortesía de Imane Ayissi/Quercus Editions

Cuando llegaron los misioneros, las mujeres que se adhirieron al cristianismo fueron recibidas por mujeres blancas europeas, quienes les enseñaron costura y confección. Después del fin del dominio colonial, el activismo cultural fue una parte clave de la reconstrucción de África. Kwame Nkrumah, el primer presidente de una Ghana independiente, proclamó el nacimiento de un nuevo africano no con traje, como era de esperar, sino con fugu, la bata tradicional. La ideología de libertad de Nkrumah trascendió la liberación del dominio colonial para abarcar la recuperación de una identidad africana.

El estilo impecable de Nkrumah y su dominio de la semiótica de la moda no tenían paralelo, ya que adoptó acertadamente los estilos de vestimenta indígenas en un repertorio de gestos diplomáticos. Mira cómo Nkrumah usó una tela kente peculiar, sinónimo de perdón, cuando bailó con la princesa Marina, la duquesa de Kent, en el gran baile presidencial. También estimuló la industria de la moda mediante políticas de sustitución de importaciones y patrocinó a Chez Julie, el primer diseñador formado profesionalmente de Ghana, para que estudiara en París. En la década de 1990, el diseñador ghanés pionero kofi ansah estaba llevando el estilo africano moderno al escenario mundial. La moda se convirtió en catalizador de una nueva identidad en un continente que durante demasiado tiempo había estado sujeto a siglos de aculturación europea.

Flower power: el bombardero floral de Thebe Magugu.
Flower power: el bombardero floral de Thebe Magugu. Fotografía: cortesía de Thebe Magugu/Quercus Editions

La nueva cohorte de hoy de diseñadores va un paso más allá, no solo cuestionando las formas de vestir occidentales, sino buscando y dando nueva vida a la estética, la artesanía y los procesos perdidos. Las redes sociales y la cultura pop son catalizadores esenciales de este fenómeno. Las cuentas de Instagram que muestran fotografías restauradas de personajes de películas antiguas invocan un pasado nostálgico, pero también sirven de inspiración para los diseñadores contemporáneos.

Bajo el dominio colonial, a los africanos se les negó el acceso a sus propios recursos y se restringió su libertad para cultivar negocios. Los textiles europeos importados fueron favorecidos por quienes estaban en el poder, beneficiando a sus economías nacionales, que vieron el desmantelamiento sistemático de la infraestructura que había existido antes. A través de la investigación, la innovación y una búsqueda incesante de la excelencia, los diseñadores contemporáneos están desafiando las adversidades para superar los desafíos históricos que han plagado la cadena de suministro de textiles y prendas de vestir desde la colonización.

La vanguardia de los diseñadores africanos contemporáneos se aleja del cliché de los estampados africanos para adoptar y valorizar los textiles indígenas. Desde finales del siglo XVIII, llegó una afluencia de impresiones de imitación de Europa y pronto se volvió deseable. Pero en realidad no eran africanos sino de lugares como Manchester y los Países Bajos. Ahora, hay un escepticismo acerca de estos materiales, con diseñadores que critican sus orígenes. Estas podrían haber sido las prendas de sus abuelos, pero la nueva generación está mirando hacia atrás y optando por textiles tejidos localmente para sus colecciones. Y, en lugar de replicar lo que sucede en el oeste, valoramos nuestro propio mercado local. Producimos para nuestro propio contexto, al mismo tiempo que orgullosamente exportamos diseños a una audiencia global también. Los moodboards de los talleres ya no se componen únicamente de imágenes de las pasarelas de la semana de la moda de París y Londres. En cambio, las imágenes africanas actúan como inspiración y referencia, ya sea para la alta costura o para la vestimenta diaria más accesible.

Ejemplo brillante: el collar Dhamani Maureen de Adele Dejak.
Ejemplo brillante: el collar Dhamani Maureen de Adele Dejak. Fotografía: Cortesía de Adele Dejak/Quercus Editions

El diseñador nigeriano Tokyo James aplica la sastrería impecable de Savile Row a la tela aso-oke. caballero kente de Costa de Marfil fabrica exquisitos trajes modernos con tela kente tejida a mano. con sede en Ciudad del Cabo lukhanyo mdingi, que ganó el codiciado premio Karl Lagerfeld en el premio LVMH 2021, defiende los materiales autóctonos y la producción de moda. diseñador camerunés imane ayissi es celebrado mundialmente por su destreza con los textiles, como el akwete, el faso dan fani y el kente, mientras que la marca sudafricana África explora las coloridas tradiciones de abalorios y pintura a mano de los isiXhosa. En todo el continente, somos testigos de la colaboración constante de los diseñadores con los productores para apoyar las industrias locales y los procesos históricos. Los resultados son nada menos que diseños modernos y de alta costura que también muestran una reverencia real a nuestro patrimonio cultural.

Como se lo dijo a Michael Segalov

Africa in Fashion: Luxury, Craft and Textile Heritage de Ken Kweku Nimo es una publicación de quercus el 5 de mayo a £30